Мультимедиа Арт Музей, Москва — один из ведущих российских музеев современного искусства и фотографии, в мае и июне представляет выставку стрит-фотографии Бориса Назаренко, выставку фотографа-документалиста и режиссера Лорен Гринфилд, выставку фотографа Эмми Америка, первую персональную выставку фэшн-фотографа Юлии Майоровой, выставку легендарного американского фотографа Билла Каннингема и выставку современного швейцарско-грузинского художника Коки Рамишвили.
Борис Назаренко
ПОТОК
май-20.06.2021
Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку Бориса Назаренко — одного из самых ярких представителей современной стрит-фотографии, известного своими эмоциональными и ироничными снимками повседневной городской жизни.
Борис Назаренко родился в 1950 году в Омске в семье инженеров. Интерес к фотографии унаследовал от родителей: все началось с узкопленочной камеры с раздвижным объективом, которую его отец привез из Европы после окончания Второй мировой войны, а первые свои снимки Назаренко сделал на мамин фотоаппарат «Любитель».
«Любителем», а также чехословацкой камерой Flexaret, рассчитанными на квадратный кадр 6×6 сантиметров, он продолжал снимать вплоть до 1980—1990-х годов — по словам фотографа, именно с этим связано его пристрастие к квадратному формату, благодаря которому он органично вошел в эпоху Инстаграма. В третьем классе Назаренко получил в подарок личную камеру — один из самых популярных советских малоформатных фотоаппаратов «Смена-2». В это время юного фотографа интересовали в основном формальные эксперименты с различными техниками, фотоэффектами и способами печати.
В 1963—1965 годах Назаренко посещал вечерние курсы Омского художественного училища.
Занятия живописью и рисунком оказали сильное влияние на его фотографический язык, способ работы с композицией кадра и пластической формой.Увлечение Назаренко фотоискусством развивалось параллельно с научной деятельностью. В 1967 году после обучения в физико-математической школе он поступил на математический факультет Новосибирского государственного университета. В 1971 году переехал в Москву и продолжил обучение в Московском инженерно-экономическом институте имени С. Орджоникидзе на факультете экономической кибернетики, где занимался вопросами искусственного интеллекта. Научно-исследовательская практика выработала у Назаренко особую внимательность к деталям, умение видеть новое в привычном.
В начале 1990-х годов на фоне экономического кризиса и напряженной обстановки в стране Назаренко потерял интерес к фотографии, но в 2005 году вновь увлекся фотоискусством и, перепробовав съемку в различных жанрах, остановился на уличной фотографии.
В экспозиции представлены работы Назаренко двух последних десятилетий его творчества.
Лорен Гринфилд
Одержимые успехом
май-27.06.2021
В рамках фестиваля «Мода и стиль в фотографии — 2021» Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет проект знаменитого американского фотографа-документалиста и режиссера Лорен Гринфилд «Одержимые успехом». Музей дважды показывал ее выставки: на фестивале «Фотобиеннале-2000» (серия «Время вперед: взрослея в тени Голливуда», 1997) и в рамках «Фотобиеннале-2004» (проект «Девичья культура», 2002).
«Одержимые успехом» — масштабное двадцатипятилетнее исследование, включающее более 200 фотографий, несколько документальных фильмов и множество интервью. Путешествуя по всему миру — от США до России и Китая — Лорен Гринфилд наблюдала за трансформацией наших представлений о счастье и изучала идеалы, стереотипы, механизмы и культурные коды современного общества потребления.
«Главной темой проекта „Одержимые успехом“ является наше растущее стремление к богатству, которое для многих становится все менее достижимой целью», — рассказывает Лорен Гринфилд. — Меня интересовало, как произошел переход от традиционных ценностей — скромности, бережливости, социальной ответственности — к культуре поклонения деньгам и материальному комфорту».
В наши дни успешность определяется не столько богатством, сколько демонстрацией его символов, а также популярностью, основанной, в свою очередь, на самом факте известности. Как заметила Лорен Гринфилд — «когда-то суть американской мечты заключалась в том, что все люди обладают равными возможностями и каждый может достичь успеха, если будет упорно трудиться. Теперь эта мечта превратилась в несбыточную фантазию. … Раньше человек хотел быть „не хуже соседа“, а теперь — не хуже семейства Кардашьян. А если у него нет денег, то он готов последовать девизу рэпера Future „Притворяйся, пока не поверят“, невзирая на риск полного разорения».
Стремление к созданию идеального «образа себя» превращается во всеобщую обязанность, и по этой причине культ знаменитостей стал одним из основных сюжетов проекта. В глобальном информационном обществе благодаря телевизионным реалити-шоу и интернету создается иллюзия близости с иным, «привилегированным» миром — можно заглянуть на кухню или в спальню к звезде, можно поставить ей «лайк» в «Инстаграме», а можно и самому притвориться звездой. Грань между «быть» и «казаться» становится все менее заметной. Мы перестаем идентифицировать себя и других через настоящие достижения и поступки, заменяя их внешними атрибутами социального статуса.
«Во время работы над проектом мне иногда казалось, что я собираю свидетельства о закате западной цивилизации, — пишет Лорен Гринфилд. — Однако в своем путешествии я встретила людей, которые подарили мне крохотную надежду: беглый финансист Флориан Хомм потерял все состояние, но в результате нашел смысл жизни; Кэти, бывший высокооплачиваемый юрист, обосновалась у моря и наконец обрела покой, хотя до этого она обанкротилась и лишилась своего дома; а граждане Исландии после крупнейшего в истории банковского краха смогли инициировать реальные социальные изменения.
Даже магнат курортной недвижимости Дэвид Сигел, намеревавшийся построить самый большой особняк в Америке, в финале моего фильма „Королева Версаля“ с сожалением говорит о том, что оказался в „порочном круге“, ведь его грандиозные амбиции осуществлялись за счет настолько же баснословных займов. Затем он добавляет: „Никто не без вины“, — подразумевая и себя, и каждого из нас».
Лорен Гринфилд родилась в 1966 году в Бостоне, штат Массачусетс, детство и юность провела в Лос-Анджелесе. В 1987 году в Гарвардском университете получила степень бакалавра в области визуальных искусств и экологии. Ее работы входят в коллекции многих культурных институций, в том числе Чикагского института искусств, Музея искусств колледжа Колби, Музея искусств округа Лос-Анджелес, Музея Гетти, Музея современного искусства Сан-Франциско, Смитсоновского института, Международного центра фотографии, Музея колледжа Смит, Центра творческой фотографии и Музея изящных искусств в Хьюстоне. Ее работы публиковались в таких изданиях, как The New York Times Magazine, National Geographic, The Guardian, The Times, Le Monde, New York Magazine, The New Yorker и Vanity Fair.
Лорен Гринфилд является автором четырех монографий-бестселлеров: «Время вперед» (Fast Forward, 1997), «Девичья культура» (Girl Culture, 2002), «Анорексия» (Thin, 2006) и «Одержимые успехом» (Generation Wealth, 2017). Гринфилд — автор и режиссер четырех полнометражных документальных фильмов. Это номинированная на премию «Эмми» лента «Анорексия» (Thin, 2006), отмеченная наградами картина «Королева Версаля» (The Queen of Versailles, 2012), а также фильмы «Одержимые успехом» (Generation Wealth, 2018) и «Создательница королей» (The Kingmaker, 2019). Лорен Гринфилд также сняла пять документальных короткометражных фильмов.
Кураторами выставки «Одержимые успехом» выступают сама Лорен Гринфилд и ее давний соавтор Труди Уилнер Стэк. Московская версия выставки подготовлена совместно с куратором Анной Зайцевой. Продюсер проекта — Фрэнк Эверс, производство — Evergreen Studio. Над видеоматериалами работала компания Evergreen Pictures. Впервые выставка была организована и представлена в Annenberg Space for Photography в Лос-Анджелесе в мае 2017 года. После она демонстрировалась в Международном центре фотографии (Нью-Йорк, 2017); на фестивале Kyotographie (Киото, 2018); в Нобелевском центре мира (Осло, 2018); Фотомузее (Гаага, 2018—2019); художественном центре Deichtorhallen (Гамбург, 2019); Музее современного искусства «Луизиана» (Копенгаген, 2019—2020) и музее «Фотографиска» (Стокгольм, 2020).
Эмми Америка
сrazy это сразу
май—20.06.2021
В рамках фестиваля «Мода и стиль в фотографии-2021» и программы «ШР в МАММ» Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку Эмми Америка «crazy это сразу».
Эмми Америка родилась в 1996 году. Живет и работает между Москвой, Парижем и Лондоном. На ее счету съемки для таких авторитетных журналов, как Vogue, Numéro, L’Officiel, The Blueprint, а также для крупнейших брендов, среди которых Calvin Klein, Nike, UGG, Urban Outfitters и многие другие. Эмми Америка — преподаватель в Школе Родченко.
Узнаваемый стиль и неординарный подход к фэшн-съемкам сделали Эмми одним из самых востребованных современных фотографов. Ее снимки размывают грань между коммерческой и художественной фотографией, а каждая рекламная кампания становится самостоятельной новеллой с тщательно продуманной эстетикой и сюжетом.
В раннем детстве Эмми Америка получила в подарок одноразовый пленочный фотоаппарат Kodak — тогда же, по воспоминаниям фотографа, она впервые ощутила «власть камеры», которая способна «полностью завладеть тобой и увести за пределы реальности». В десять лет Эмми уехала учиться в Великобританию. Занятия фотографией и рисованием помогали ей привыкнуть к жизни в чужой стране. В это же время появился ее псевдоним: одноклассникам сложно давалось произношении русского имени, поэтому за ней быстро закрепился ник из интернета — Emmie America.
Первые снимки в жанре фэшн-фотографии Эмми начала делать еще в 13 лет, в 15 — выиграла стипендию одной из лучших школ США, в 17 — поступила в знаменитую Parsons School of Design на бакалаврскую программу по фотографии и одновременно обучалась в Eugene Lang College of Liberal Arts на факультете культуры и медиа. В университете она серьезно увлеклась теорией фотографии и осознала уникальность этого вида искусства. «Фотография вызывает доверие, — считает художница, — мы склонны верить снимкам, даже если знаем, что они постановочные». Фотография позволила Эмми не только совместить интерес к моде и живописи, но и дала возможность воплощать в реальность вымышленные миры.
Сильное влияние на Эмми Америка оказали такие фотографы как Брюс Дэвидсон, Ларри Кларк и Нан Голдин, в центре внимания которых были представители молодежных субкультур, аутсайдеры и маргиналы. По признанию Эмми, фэшн-фотография никогда не была для нее главным источником вдохновения. Однако этот жанр позволяет ей создавать блистательные феерии, в которых одежда и аксессуары не являются протагонистами, а лишь дополняют образы героев и раскрывают их характер. По словам фотографа, мода всегда интересовала ее в первую очередь как способ саморепрезентации и коммуникации.
В 2018 году в журнале Numéro Russia были опубликованы серии «24/7» и «Совет да любовь». Эта публикация мгновенно привлекла огромное внимание к молодому автору и на Эмми Америка посыпались заказы.
Серия «24/7» — оммаж американской художнице Кэрри Мэй Уимс и ее знаменитому проекту «Кухонный стол» (1990) о семейной жизни современной афроамериканской женщины. Эмми Америка цитирует композиционное решение Уимс — в кадре все события и переживания также разворачиваются вокруг кухонного стола и складываются в мозаику повседневности, за которой скрывается одиночество и сложные взаимоотношение героев. Образ дома, населенного эксцентричными персонажами — будь то богемные бунтари в декадентских интерьерах или безумные аристократы — становится ключевым в творчестве Эмми.
В поисках референсов для своих фэшн-съемок Эмми Америка часто обращается к истории современной фотографии, переосмысляя ее в контексте сегодняшнего времени и собственной идентичности, сформировавшейся под влиянием нескольких культур. Серия снимков, выполненная на пляже, отсылает к творчеству выдающегося британского фотографа Мартина Парра, а также к работам голландского фотографа Ринеке Дейкстры из серии «Пляжные портреты», запечатлевшей подростков на пороге взросления. Взгляд Эмми на своих героев одновременно благожелателен и ироничен.
Визуальный язык Эмми Америка сложился под влиянием кинематографа. На съемочной площадке она действует как режиссер-постановщик. Во время работы со светом она редко использует вспышку и подсвечивает не только героев, но и всю сцену, что создает атмосферу, близкую к кино.
Эмми принципиально снимает только на пленку — как правило, на средний формат — и для каждого проекта готовит развернутые сториборды. Подробно объяснив моделям свое видение, она предлагает им самим решать, как «жить» в этом придуманном мире. Так постановочные проекты приобретают «документальное» звучание, которое сокращает дистанцию между вымыслом и реальностью.
Харизматик и трудоголик Эмми Америка в свои 25 лет выставкой в МАММ подытоживает определенный этап своего творчества. Сегодня фокус внимания художницы все чаще направлен на социально-документальную фотографию, перформативное искусство и эксперименты с различными медиа. «Очень легко пойти на поводу у востребованности и закоснеть в своем стиле. Важно продолжать расти», — подчеркивает Эмми.
Куратор: Мария Лаврова
Юлия Майорова
Режим тишины
май—20.06.2021
В рамках XII Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии – 2021» Мультимедиа Арт Музей, Москва совместно с фондом Still Art представляют первую персональную выставку «Режим тишины» молодого российского фэшн-фотографа Юлии Майоровой, за плечами которой большой опыт профессиональной работы с ведущими глянцевыми изданиями, – такими, как Interview, Vogue, Glamour, Marie Claire, – а также опыт сотрудничества с крупнейшими брендами, включая Louis Vuitton, Apple, La Mer, Omega и Estée Lauder.
«Выставка «Режим тишины» в МАММ инициирована нашим фондом в рамках издательской и выставочной деятельности. Параллельно мы выпускаем альбом с работами Юлии, чтобы запечатлеть этот момент для себя, для автора и для истории. Юля Майорова покорила меня своей искренностью, энергией, виденьем мира, которое она четко и профессионально выражает в своих снимках. Молодой фотограф с таким послужным списком – это редкая находка. И нам хочется дать возможность увидеть и оценить талант Юлии другим людям – аудитории музея», – комментирует Елена Карисалова, основательница фонда Still Art.
Юлия Майорова работает в жанре портретной фотографии, в ее портфолио такие мировые звезды, как Николь Кидман, Дженнифер Лопес, Синди Кроуфорд, Шайа Лабаф, Джордж Клуни, Карли Клосс, Дита фон Тиз, Джон Гальяно, Аниш Капур, Анна Суи и многие другие.
«Для такого сотрудничества необходимо быть соразмерным уровню этих звезд, видеть и открывать в людях то, что им присуще, но нечасто артикулируется. В своих портретах Юля как раз раскрывает момент внутренней тишины. Часто она «нарушает» техническое задание, сформулированное издательствами и брендами. Это рискованно и смело для молодого автора, но, безусловно амбициозно – ведь в истории фотографии как части истории искусства остаются именно люди, расширяющие границы и выходящие за рамки стандартов», – говорит Ольга Свиблова, куратор выставки и директор Мультимедиа Арт Музея, Москва.
Внутренняя тишина – то, что каждому из нас дается труднее всего, и то, что особенно ценно в каждом человеке. Повседневная реальность ставит нас в ситуацию непрерывных обязательств. Ускоряющийся ритм жизни, переживаний и действий превращают нас в заложников безумной гонки, в которой каждую секунду необходимо быть в тонусе. В процессе работы Юлия Майорова, наоборот, не просит моделей принять те или иные позы и не помещает их в сложные интерьеры. Она ловит момент, когда человек углубляется в себя, когда начинают мерцать переходы между сознательным и бессознательным. Подобное состояние находится ближе всего к моменту засыпания и перехода, – но не к моменту сна, когда человек оказывается уже во власти бессознательного. В результате такой работы портреты Юлии не похожи на растиражированные образы – они раскрывают хрупкость каждого из ее героев.
Входя в контакт с портретируемым, фотограф добивается того, что люди отключают внутренний контроль за тем, как они выглядят, что они должны переживать, и отправляются в путешествие внутреннего диалога с самим собой. На портретах Майоровой люди часто оказываются с закрытыми глазами, что обычно расценивается как брак, ведь традиционно считается, что именно взгляд героя передает силу его характера и харизму. У Юлии Майоровой микродвижения, позы и закрытые глаза часто рассказывают о персонаже больше. Ее проекты – не только возможность вступить в диалог со звездами и моделями. Автор тонко и точно чувствует энергетический потенциал портретируемых героев. Юлия дает возможность нам, зрителям, попасть в срежиссированный ей режим тишины, что сегодня так ценно для каждого из нас.
Куратор выставки: Ольга Свиблова
Билл Каннингем
Мода на подиумах и тротуарах
2.06—10.07.2021
Выставка «Билл Каннингем. Мода на подиумах и тротуарах» включает 150 снимков
Выставка «Билл Каннингем. Мода на подиумах и тротуарах» включает 150 снимков, которые не только демонстрируют хронику пяти десятилетий элитарной и уличной моды, но и рассказывают о жизни большого города, который в те годы был совсем не похож на современный Нью-Йорк.
Билл Каннингем родился в 1929 году в Массачусетсе, где провел детство и юность. Некоторое время учился в Гарвардском университете, а затем переехал в Нью-Йорк, чтобы попробовать себя в качестве дизайнера головных уборов. В течение нескольких лет он изготавливал шляпки для сети магазинов Chez Ninon, но затем понял, что головные уборы теряют свою актуальность в сфере женской моды, и в середине 60-х решил переквалифицироваться в журналисты. Этот выбор оказался удачным, а работа обозревателем Women’s Wear Daily и нью-йоркским корреспондентом The Chicago Tribune стала отправной точкой его длительной карьеры в модной журналистике.
Изначально Каннингем писал статьи и колонки, но с 1967 года начал также работать фотокорреспондентом. В основном он сотрудничал с The New York Times, но до 90-х годов предпочитал оставаться в статусе внештатного сотрудника (нередко он выполнял заказы других журналов о моде, например, Vogue и Town & Country, а в 1982-м принял участие в создании Details). В 1994-м фотограф официально присоединился к коллективу The New York Times и оставался в штате газеты вплоть до своей смерти в 2016 году.
Каннингем пристально следил за изменениями, происходившими в космополитичной среде мегаполиса. На его снимках представлены три главные арены, где проявлялись новейшие тенденции моды: показы от-кутюр, вечеринки и, в первую очередь, улицы Нью-Йорка и Парижа. Эти фотографии помогают подробно проследить эволюцию модных течений и общественных настроений, отражавших политические события и культурные преобразования того времени. Обычные люди попадали в объектив Каннингема наравне со знаменитостями. Он с одинаковым удовольствием фотографировал стильных персонажей, выделявшихся из толпы на 57-й улице, и таких звезд, как Диана Вриланд, Анна Винтур, Жаклин Кеннеди Онассис, Барбра Стрейзанд, Элизабет Тейлор, Лайза Миннелли, Дэвид Боуи, Джанни Версаче, Карл Лагерфельд, Лучано Паваротти, Михаил Барышников и др.
В 2019 году Кэти Хорин, знаменитый критик моды и бывший контрибьютор The New York Times, писала в предисловии к книге «Билл Каннингем. На улице: пять десятилетий культовой фотографии»: «[Билл] первым запечатлел женщин, которые отказались от каблуков и начали ходить на работу в кроссовках, показал возвращение широких костюмов 30—40-х, появление джинсов с низкой посадкой, моду на камуфляж, а также добрую сотню стильных нарядов, защищавших ньюйоркцев от непогоды. Он считал, что истинный портрет моды — и, опосредованно, эпохи — определяется тем, как одеваются реальные люди, будь то подростки в экстравагантных толстовках или богачи на благотворительных приемах. Модных подиумов ему было недостаточно, поэтому каждый день он брал в руки камеру и выходил с ней на улицу».
Авторская рубрика Evening Hours в The New York Times свидетельствует о том, что Каннингем практически не пропускал светские рауты и вечеринки, иногда посещая до двадцати мероприятий в неделю. Он легко устанавливал контакт с гостями, в то же время сохраняя нужную дистанцию, поэтому у него получались непринужденные и яркие образы. В другой авторской рубрике, On the Street, где публиковались снимки прохожих, их одежды и аксессуаров, благодаря особому виденью и чутью фотографа Каннингем в полной мере смог передать дух города, жизнь в котором бурлит ночь и день напролет.
Также нельзя не упомянуть о скромности и щедрости Билла Каннингема. Многие из его друзей пострадали от эпидемии СПИДа, поэтому на протяжении всей своей жизни фотограф жертвовал большую часть доходов благотворительным организациям, помогающим ВИЧ-инфицированным.
Творчеству Каннингема посвящены многочисленные публикации. Его биография легла в основу отмеченного наградами документального фильма «Билл Каннингем. Нью-Йорк» (2010), а также недавно вышедшего «Эпоха Билла Каннингема» (2018). Кроме того, незадолго до смерти Каннингем закончил автобиографическую повесть Fashion Climbing, которая была опубликована в 2018 году. На русском языке она была издана под названием «Модное восхождение». С целью сохранения и популяризации наследия фотографа был основан Фонд Билла Каннингема.
Куратор: Анна Зайцева
Проект представлен: Bruce Silverstein Gallery, Нью-Йорк
Кока Рамишвили
Световые машины
2.06—10.07.2021
Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку Коки Рамишвили — современного швейцарско-грузинского художника, участника 53-й Венецианской биеннале и многочисленных выставок в ведущих музеях мира, среди которых Тейт Модерн (Лондон), музеи современного искусства MAMCO (Женева) и CoBrA (Амстердам).
Название выставке дала серия фотографий «Световые машины», в которой Рамишвили исследует ключевые для его творчества темы движения, сопряженности времени и пространства, восприятия света. Выстраивая предметные композиции для снимков, художник следовал принципам классического жанра натюрморт, тщательно прорабатывая освещением пластические объемы. Однако его интересовала не застывшая, «мертвая природа», а происходящие с объектами процессы — «вторжение времени», метаморфозы фигур, света и тени.
Создавая свои «машины», Рамишвили обращался к наследию великих модернистов XX века, цитируя архитектурные элементы метафизических картин Джорджо де Кирико или скульптурные формы Константина Бранкузи, первая выставка которого в России также прошла в Мультимедиа Арт Музее. Как и Бранкузи (достаточно вспомнить знаменитую скульптуру «Леда», которую художник разместил на диске, приводимом в движение часовым механизмом), Рамишвили помещает свои геометрические объекты на специальные вращающиеся подставки.
Используя прием длительной экспозиции, он фиксирует движение объектов в пространстве, подчеркивая трансформацию пластики их форм. Теряя свою материальность, они погружаются в переходное состояние, граничащее с абстрактным или эфемерным. Для того чтобы передать эти тончайшие изменения, художник использовал один из самых совершенных фотоаппаратов — Monochrom Leica M 246 с уникальной линзой с диафрагмой 0.95, перцептивные возможности которой в два раза превышают ресурс человеческого глаза.
В работах Коки Рамишвили прослеживаются мифологические и библейские отсылки (триптих «Эол», серия «Сотворение»), однако не менее важным источником для художника являются естественно-научные труды. Так, «Световые машины» возникли в том числе благодаря изучению автором работ по квантовой механике и астрофизике.
Фотографии, выполненные Рамишвили за пределами студии, объединяет общая со «Световыми машинами» поэтика. Свет и высвобожденная энергия пространства здесь также являются главными героями. Примечательно, что в процессе обработки фотографий Рамишвили, который начинал свой творческий путь как фотограф-документалист, нередко искусственно меняет изображение, совершая манипуляции со светом постфактум. Например, в работе «Три Звезды (Эволюция)» на чистом небе вдруг появляется несколько ослепительно светящих небесных тел, а на снимке «Сияние» женское лицо по воле художника залито ярким светом.
Как известно, изначальное название фотографии как технологии, фиксирующей изображение, — «светопись», то есть «рисование светом». Работы Рамишвили, в которых с помощью света он будто бы стирает видимые границы между горним и дольним мирами, оказываются удивительно созвучны этому поэтическому определению.
Куратор: Мария Лаврова
Проект представлен: галереей Window Project
О Мультимедиа Арт Музей, Москва
Основанный в 1996 году искусствоведом и куратором Ольгой Свибловой Мультимедиа Арт Музей, Москва (до 2009 года — Московский Дом Фотографии) является сегодня одним из ведущих музеев Москвы и России. Основная специализация музея – фотография и современное искусство. Музей впервые провел московские выставки звезд мировой фото- и художественной сцены Хельмута Ньютона, Анри Картье-Брессона, Уильяма Кляйна, Орлан, Пьера и Жиля, Питера Линдберга, Брассая, Нан Голдин, Аннет Мессаже, Дэвида Линча, Сары Мун, Андреаса Гурского, Эрвина Олафа, Дениса Хоппера.
Выставочная программа музея невероятно разнообразна и обширна. Одними из наиболее масштабных проектов МАММ являются международные фестивали «Фотобиеннале» и «Мода и стиль в фотографии». Музей активно формирует собственную коллекцию, ведет издательскую деятельность, организует образовательные программы для взрослых и детей, проводит лекции, кинопоказы и творческие встречи. Обновленное здание музея на Остоженке, 16 – это безупречная современная архитектура, восемь этажей выставочного пространства, ультрасовременное оборудование.
В 2006 году музеем была основана Школа фотографии и мультимедиа им. А. Родченко, ставшая за эти годы ведущим образовательным центром в области фотографии и современного искусства.
Мультимедиа Арт Музей, Москва
Москва, ул. Остоженка, д. 16
mamm-mdf.ru
Важно:
Дорогие друзья! В связи с эпидемиологической обстановкой продажа билетов осуществляется только онлайн.
В целях регулирования потока посетителей доступ в музей открыт:
12:00 – 14:30
15:00 – 17:30
18:00 – 20:30
Музей закрыт на санитарную обработку с 14:30 – 15:00 и 17:30 – 18:00
Свежие комментарии